Shutter Island

Shutter Island est un thriller psychologique américain réalisé par Martin Scorsese, adapté par Laeta Kalogridis du roman éponyme de Dennis Lehane publié en 2003[1]. Le film réunit Leonardo DiCaprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr Cawley), Max von Sydow (Dr Naehring), Michelle Williams (Dolores), ainsi qu'Emily Mortimer et Patricia Clarkson dans le rôle de Rachel Solando, Jackie Earle Haley, Ted Levine et Elias Koteas[2].

La photographie est signée Robert Richardson, le montage confié à Thelma Schoonmaker et les décors à Dante Ferretti — trois collaborateurs de longue date de Scorsese, respectivement depuis Casino, Raging Bull (1980) et Le Temps de l'innocence (1993)[1]. Le film ne comporte aucune musique originale composée pour l'occasion : la supervision musicale est assurée par Robbie Robertson, assisté du compositeur John Powell, à partir d'un montage d'œuvres classiques contemporaines préexistantes[1].

Présenté en compétition à la 60^e Berlinale le 13 février 2010[26], le film est classé parmi les dix meilleurs films de l'année par le National Board of Review[27]. En 2025, il figure à la 169^e place du classement « choix des lecteurs » des 100 meilleurs films du XXI^e siècle établi par le New York Times[27].

1954. Le marshal fédéral Teddy Daniels et son nouveau coéquipier Chuck Aule débarquent sur Shutter Island, une île du port de Boston abritant Ashecliffe, un hôpital psychiatrique de haute sécurité, afin d'enquêter sur la disparition de Rachel Solando, une patiente internée après avoir noyé ses trois enfants[1]. Le personnel de l'établissement se montre peu coopératif, et le docteur Cawley, qui dirige l'hôpital, refuse aux deux hommes l'accès aux dossiers du personnel médical[1].

Tandis qu'une tempête menace d'isoler définitivement l'île, Teddy est assailli de migraines et de visions récurrentes de son épouse Dolores, morte dans l'incendie de leur appartement, ainsi que de souvenirs de son passage par le camp de concentration de Dachau lors de la Seconde Guerre mondiale[1]. Son enquête le mène jusqu'au phare de l'île, présenté comme interdit d'accès, et jusqu'au pavillon C où sont détenus les patients jugés les plus dangereux[1].

Le mécanisme de la révélation finale, qui reconfigure rétroactivement l'ensemble du récit, n'est volontairement pas détaillé ici.

Dennis Lehane explique avoir voulu, avec son roman paru en 2003, affronter l'état du monde du début des années 2000 en situant son intrigue en 1954, à l'apogée du maccarthysme ; inspiré par des classiques tels que L'Invasion des profanateurs de sépultures et Un crime dans la tête, il s'est fixé pour ambition d'écrire un récit porté par un narrateur totalement non fiable[22]. Les droits du roman, d'abord acquis par Columbia Pictures, expirent avant d'être rachetés directement à l'auteur par Phoenix Pictures, qui engage la scénariste Laeta Kalogridis pendant un an avant que Scorsese et DiCaprio ne rejoignent le projet en 2007[15].

La sortie du film, initialement prévue le 2 octobre 2009, est repoussée au 19 février 2010 aux États-Unis (24 février en France) — un report attribué par la presse au coût de campagne promotionnelle jugé trop lourd (50 à 60 millions de dollars) en pleine récession, à l'indisponibilité de DiCaprio pour la promotion internationale, ainsi qu'à l'espoir d'un rebond économique plus favorable au printemps[1]. Ce report écarte de facto le film de la course aux récompenses de la saison 2009, ce qui aurait provoqué la colère de Scorsese et de DiCaprio[1].

Le tournage se déroule du 6 mars au 30 juin 2008, presque entièrement dans le Massachusetts[3]. L'arrivée en bateau est filmée à Peddocks Island, dans le port de Boston, où subsistent les vestiges du Fort Andrews[7] ; le bâtiment principal d'Ashecliffe est recréé au Medfield State Hospital, un ancien asile psychiatrique du Massachusetts ouvert en 1896 et fermé en 2003, dont l'architecture de brique rouge à l'allure néo-gothique — inspirée des plans de l'architecte Thomas Story Kirkbride — fournit au film l'essentiel de son décor institutionnel[6][9]. La demeure du docteur Cawley est tournée au Turner Hill Golf Club d'Ipswich, les flashbacks de guerre de Teddy sur un décor construit à Taunton, la maison familiale des Daniels au Borderland State Park de Sharon, et les scènes de tempête à la réserve de Wilson Mountain, à Dedham[6][8].

Sylvester Stallone est le premier choix envisagé pour le rôle de Chuck Aule, mais décline l'offre pour conflit d'emploi du temps ; le rôle échoit finalement à Mark Ruffalo[1]. Il s'agit de la quatrième collaboration entre Scorsese et DiCaprio après Gangs of New York (2002), Aviator (2004) et Les Infiltrés (2006), avant Le Loup de Wall Street (2013)[1]. Selon la note de programme de la Berlinale, Scorsese se serait montré immédiatement enthousiaste à la lecture du scénario, celui-ci lui évoquant Le Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene[26].

Plutôt que de commander une partition originale, Scorsese confie la supervision musicale à son ami et collaborateur Robbie Robertson — ancien leader du groupe The Band, dont le réalisateur avait filmé le concert d'adieu dans La Dernière Valse — qui assemble, avec le compositeur John Powell, un montage d'œuvres de Penderecki, Ligeti, Cage, Mahler, Scelsi, Schnittke, John Adams, Ingram Marshall et Max Richter, mêlées à des morceaux de blues et de jazz d'époque interprétés par Dinah Washington, Johnnie Ray ou Lonnie Johnson[10][9].

Scorsese lui-même a décrit son adaptation comme « trois films en un », avec plusieurs scènes possédant trois ou quatre niveaux de lecture simultanés, certains détails ajoutés ne figurant pas dans le roman de Lehane[21]. Le récit repose sur un narrateur dont la fiabilité se dérobe progressivement : l'enquête de Teddy Daniels est sans cesse traversée par des flashbacks de guerre — la libération du camp de Dachau — et par des visions de son épouse défunte, qui contaminent peu à peu le présent de l'intrigue jusqu'à rendre poreuse la frontière entre passé traumatique, délire et enquête réelle[20].

Plusieurs observateurs ont noté que le montage du film cultive délibérément la désorientation : les raccords sonores et visuels ne coïncident pas toujours avec ce qui est montré à l'écran, les dialogues débordent parfois d'une scène sur la suivante, produisant un effet de continuité subjective proche de la logique du rêve plutôt que de la reconstitution factuelle d'une enquête[19]. Ce dispositif culmine dans une scène de résolution construite comme une confrontation clinique entre Teddy et son psychiatre, qui rebat entièrement la distribution des rôles établie depuis le début du film.

La photographie de Robert Richardson assume un hommage revendiqué au cinéma d'Alfred Hitchcock : Scorsese a projeté Vertigo à son équipe pendant le tournage, et plusieurs séquences de falaises et de vertige en reprennent directement l'imaginaire[13]. La scène d'ouverture, filmée en partie par rétroprojection délibérément datée pour la traversée en bateau, cultive une « hyper-irréalité » assumée, écho conscient des artifices techniques du cinéma hollywoodien des années 1950[14].

Les décors de Dante Ferretti exploitent l'architecture néo-gothique en brique rouge de l'ancien hôpital psychiatrique réel ayant servi de tournage, dont l'aspect à la fois carcéral et monastique a été rapproché par la critique musicale des architectures pénitentiaires de type Alcatraz[9]. Plusieurs commentateurs relèvent également une parenté avec Shining de Stanley Kubrick, notamment dans les travellings dramatisés de l'arrivée sur l'île et le motif de la prison-labyrinthe coupée du monde[9], ainsi qu'avec Shock Corridor de Samuel Fuller (1963), autre récit d'un homme s'introduisant dans un hôpital psychiatrique pour y mener une enquête[15].

L'absence de partition originale, remplacée par un montage de pièces classiques contemporaines dissonantes, participe directement de la mise en scène : la juxtaposition de styles et d'époques musicales très hétérogènes crée un sentiment de déséquilibre permanent, censé refléter la fragmentation psychique du personnage principal plutôt que souligner ses émotions de façon conventionnelle[11].

L'accueil critique à la sortie est contrasté mais globalement favorable : Rotten Tomatoes recense environ 68 % de critiques positives pour une note moyenne de 6,6/10, tandis que Metacritic attribue au film un score de 63/100[1]. Dans le New York Times, A.O. Scott reproche au film de ne pas offrir un suspense « soutenu et prenant », quand Roger Ebert loue au contraire une œuvre qui construit la peur par l'atmosphère plutôt que par l'action, réfutant les critiques jugeant la fin déloyale envers le spectateur[15][13].

Le public généraliste sondé par CinemaScore attribue au film la note de « C+ », signe d'un déphasage entre la reconnaissance critique et la réception immédiate d'une partie du grand public[1]. Plusieurs critiques ont par ailleurs pris soin, à la sortie du film, de ne pas divulgâcher son dénouement dans leurs premiers articles, jugé trop central pour être révélé sans avertissement préalable[14].

Chiffres de recettes exprimés en dollars de l'époque (non ajustés de l'inflation), selon les sources indiquées ci-dessous.

Porté par un démarrage de 41 millions de dollars dès son premier week-end américain, le film devient à l'époque le plus gros succès mondial de la carrière de Scorsese, dépassant Les Infiltrés, avant d'être détrôné en 2013 par Le Loup de Wall Street[22][23]. Il s'impose également comme le plus grand succès en France de la carrière du cinéaste, avec près de trois millions d'entrées[24].

Interrogé sur le tournage, Scorsese a confié que le film l'a personnellement ramené à des périodes de sa propre vie marquées par la paranoïa, dans le New York de son enfance puis lors du tournage de Raging Bull à la fin des années 1970[25]. Redécouvert et réévalué avec le temps, le film figure aujourd'hui, aux côtés d'œuvres comme Taxi Driver ou After Hours, parmi les explorations récurrentes par Scorsese de l'enfermement, de la culpabilité et du basculement vers la folie[25].

Shutter Island occupe une place particulière dans la filmographie de Martin Scorsese : celle d'un pastiche assumé du cinéma de genre hollywoodien des années 1950 — Hitchcock, Val Lewton, Samuel Fuller — mis au service d'obsessions profondément personnelles au cinéaste, la paranoïa, l'enfermement et la culpabilité, qu'il avait déjà explorées ailleurs sous des formes plus âpres.

Sa postérité tient à cette tension entre deux lectures qui ne s'excluent pas : celle d'un exercice de style virtuose, construit comme un jeu de piste destiné à être revu, et celle d'une méditation plus grave sur la manière dont un individu — comme, à une tout autre échelle, une société entière en pleine guerre froide — peut préférer se raconter une histoire plausible plutôt que d'affronter une vérité qui le détruirait. Le dossier, une fois refermé, laisse persister la question posée par le film lui-même : vaut-il mieux vivre en monstre, ou mourir en homme de bien ?